每当提起与肖邦相关的钢琴家，许许多多专业人士的都会想起他的名字——邓泰山。
是的，他正是那位在最次最著名的肖邦比赛中，一举瓦解了欧洲人雄踞的局面、摘取桂冠的亚洲选手！同时更创下了连冠玛祖卡特别奖、波兰舞曲特别奖、协奏曲特别奖的令人惊叹的记录！轰动全球！成为肖赛史上一座难以超越的标志……
曾获得肖赛第三的我国著名钢琴家傅聪曾说过：邓泰山是世界上少数能真正理解肖邦语言的钢琴家之一……
28日，这位肖邦传人亲临德国博兰斯勒钢琴乐享汇，通过讲座、访谈与大师班等活动与乐迷们进行了亲切的互动，并带来了乐迷们最想了解的肖邦“秘籍”！
邓泰山对陪伴着他成长、曾日夜弹奏的的博兰斯勒钢琴写下的真情留言：它的音色实在太美妙了！
在本文中，我们将与你分享邓泰山大师在活动现场对以下问题的见解与分享：
——如何弹好肖邦的作品？
——在战火纷飞的环境中成长的经历，对钢琴生涯以及对肖邦作品的演绎是否存在什么样的造就？
——为何在夺得肖邦冠军轰动全球之后，选择全身而退？
——除了肖邦之外，怎么理解其他作曲家的作品？
——最欣赏的肖邦演绎者？
如何弹好肖邦的作品
——肖邦的作品需要用什么样的音色？如何做到？
弹奏肖邦的作品，需要醇厚圆润和柔美的声音，避免弹出干、硬、尖而刺耳的声音。但柔美并不代表虚飘，所以要求收件指肚有好的支撑，同时手臂和手腕要放松的顺着自然重力垂落，这样下落的声音就会圆润；如果是刻意的生硬的往下压，那么声音必然会很硬很干。
“自然重力垂落”的练习体验办法：可先在腿上练习，使右手处于完全放松状态，先用左手把右手提起，随后让右手自然的落下。而后，可以不需要用左手辅助，右手直接单独练习即刻。
——弹奏肖邦需要怎么样的音响共鸣？如何做到？
肖邦的音乐要创造丰富的音响和共鸣效果，但是踏板的运用要非常讲究，不能过多，不能“糊”；很重要的是要很好的运用手指去控制长音，制造出某种共鸣效果。于此同时，声音依然要保持清晰的层次，不能混浊。
——关于肖邦音乐的歌唱性
肖邦的音乐要有歌唱性。歌唱性也细分为很多种：譬如歌剧，它的声音是需要震动的；艺术歌曲的话，就像人说话一样，每个音都需要清晰；还有合唱，声音相对比较平均。这几种肖邦的音乐里都出现了。需要弹奏着非常注意内心音乐的走向，对横向线条的张力把握，特别忌讳干枯的弹奏！比如慢节奏的部分，就用很好的长线条将音乐串联起来才能获得如歌的效果……
——诠释肖邦，节奏的掌握至关重要
德奥作品偏向理性严谨，肖邦偏向弹性，所以演绎肖邦作品时，对弹性节奏和音符时值的把握，就尤为重要，很大程度影响了肖邦音乐的魅力。一般情况下，要求演奏者右手弹出浪漫的摇拽的弹性节奏，但左手的节奏却需要非常稳定，不能跟随右手一起“摇曳”。就如同树木的枝叶随风自由摇曳，但树根树干始终需要坚实稳固。譬如一个作品里，左手四分音符是稳定的，但四分音符所对应的16分音符却可以在这个范围内有一定自由的弹性。另外在重复的部分，装饰性小音符的变化也尤为重要。
——关于肖邦作品的舞曲性
肖邦的波兰舞曲、玛祖卡、圆舞曲就属于这个范畴。肖赛针对这3个题材特别设立了奖项。这三者都是舞曲，但在节奏时间上都存在差异。
波兰舞曲充满自信、奔放和高贵，适合大型庆典，所以每小节的第一拍都非常重要。玛祖卡则相对含蓄些，也因此重音经常在第二、三拍上。
——演绎肖邦必须用“情”！更需要分析每个作品表达的不同的情素，掌握细致入微的差别与分寸
与其他作曲家不同，演奏肖邦不能过多用大脑，而是更多要用心和情感来演奏，要充满各种丰富的情感：悲壮的，忧郁的，饱含爱意的，充满深情的……无比细腻，但又不是一味的多愁善感与纠结，要用一颗非常温暖的心，优雅而深沉的去演奏。更要仔细分析作品段落间所要表达的，同样是悲伤，但这里要表达的是个人细腻情感的倾诉？还是一种客观的叙述？比如如果是葬礼上人群的伤悲，就不能演绎成我个人的小伤感，弹叙事的乐段需要多一份理性和客观……如此用情，所以演奏肖邦其实是见“心累”的事（笑）。
"我问你答"：博兰斯勒访谈进行时
特邀嘉宾：海斯勒钢琴教育家、星海音乐学院余捷老师
主持人：
您生长在一个战事不断战火纷飞的环境中，那时要想拥有一台完好的钢琴，想一天能保证几小时的练琴，都是做梦般的事儿，但您都经历过来了。
著名作曲家舒曼曾经把肖邦的音乐比喻为“藏在花丛里的一尊大炮”，对此您觉得，是否因为您也曾经有过类似经历，所以更能对肖邦的作品有一种感同身受？
在那样的战乱环境中成长，对您整个艺术生涯有什么样的影响？最大的造就是什么？
邓：
谈起这个，可以说表面上我们有些相似的经历，我经历过美国与越南的战争，但细致讲来其实还是有很大的差别的。肖邦是在他的后半生经历这些，而我是在人生的前半部分经历这些。因为他是在后半生经历的，所以当时他的思想感情会更加的丰富、成熟，那样的经历、情感应该会比我所体会的更加深刻。实际我经历这些的时候大概只有7岁。
我真正进入专业系统的学习是在19岁去了莫斯科音乐学院之后。在那之前，有8年的时间我都居住在越南的山里。这种的习琴经历和其他人挺不同的。其他人往往在的童年的时候就打下很好的基础，而我就比较晚，到了30-40岁的时期依旧觉得有需要提高的空间。但这也不见得是坏事，因为太年轻的时候弹琴不一定会有太多想法，当你成长之后再去思考音乐，可能会更加成熟。
海斯勒教育家余捷：
在肖邦比赛夺得桂冠轰动全球之后，您并没有马上开始职业演奏生涯，而是选择了静静的回到苏联继续练琴。“在聚光灯之中隐退”，
当时是抱着什么样的一种心态？
邓：
原因非常简单：我知道我自己还没准备好成为一个专业演奏钢琴家。
我在1977年去了莫斯科，1980年拿肖邦冠军，当时才刚刚经过3年的专业系统培训。仅仅3年时间，怎么足够成为一个真正的钢琴演奏家呢？
其实因为成长的背景和经历，在去波兰的时候，我甚至完全没想到自己能拿奖，所以当他们宣布每轮入围的选手名单时，我都没去现场，只是在酒店待着。最后一轮比赛结束了，在颁奖仪式前，日本电视台给我打电话，告诉我我夺得了冠军。
当时我的反应是非常意外的，同时内心感觉非常惶恐。突然间感觉到了一种责任。毫无疑问，因此我更加清楚自己必须先回到学校继续学习，必须先有足够的积累与沉淀。
除了肖邦的作品，我们可以看到在音乐会中你也很多演奏其他作曲家的作品，包括拉威尔，德彪西，贝多芬、李斯特等等，对了，德彪西的许多钢琴作品都正是在博兰斯勒钢琴上创作的呢。
您通常是如何去探索这些作曲家的内心世界的？如何去更深入了解一个作品的？以贝多芬为例？
贝多芬的音乐与肖邦的音乐有很大的不同。贝多芬属于古典乐派，肖邦偏向情感，而贝多芬则更偏向理性，需要更多理性与情感的平衡。所以学习贝多芬，需要先学习如何演奏理性的感觉 。
且肖邦不仅作曲，他首先是一名成功的钢琴家，所以他写的钢琴作品弹起来都很自然，演奏起来很舒服，类似的作曲家还有李斯特、拉赫玛尼诺夫等。而贝多芬作曲时，脑子里装的是一个整个交响乐团，所以从钢琴演奏角度有时候会觉得不那么“顺手”，你必须要去寻找一个交响乐的宏观视野与感觉；包括舒伯特、柴可夫斯基的作品多是如此。
海斯勒钢琴教育家余捷：
在很多人的心目中，您演绎的肖邦是大家学习的对象，那么对您来说，有没有您特别欣赏的肖邦演绎者？
有的，当然不同时期也有不同的偏向。当我在莫斯科学习的时候，喜欢霍洛维茨。当然那时候也存在一些客观的原因，当时苏维埃共产主义是被西方隔绝的，所以我们去录音店只能找到苏联人的碟片。像古尔特、阿格里奇这些大师的碟片是找不到的。
我至今最欣赏的两位肖邦诠释者：一位就是鲁宾斯坦，欣赏他演绎的自然却富有内涵， 另外一位我非常非常之欣赏的是就是科尔托。他的肖邦充满了弹性、张力和诗意！虽然科尔托演奏时的错音常为人诟病，但我并不在乎，他对肖邦作品的演绎、他的音乐情感实在令人着迷！
